艺术新生代（上）：用艺术的视角去设计“家具”

当代语境之下，

艺术与设计的边界一次次被模糊甚至消除，

艺术如何具有功能性？

椅子、茶几、灯具、烛台......

本篇DECO邀请5位新生代艺术家，

探讨如何用艺术形式重新解读。

 

 

 

家具离开人之后，具备独立的雕塑艺术感么？也许有些可以。但同时还能具有强烈的饱满情绪和社会属性么？这是青年雕塑家颜石林在2021年的创作中想要探讨的议题。在他尝试模糊雕塑艺术和实用设计边界的最新作品“Body Chair”（人体造型椅子）系列中，敦实肉感的人体造型椅子、俏皮卡通的狐狸造型茶几都呈现出鲜明的情绪氛围。

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这些家具的身体和社会感的指向性非常明确：椅子可根据个人喜好而随意搭配服饰，这样一来，人人都能参与艺术创作。而脱离了人的使用，这些雕塑椅子自带温度和情绪，组合在一起更具有一种社会性和对话感，仿佛一部生动的生活剧。茶几之所以选择以一只粉紫色的狐狸承托，则因为颜石林需要一个第三视角的角色参与这部 “生活剧”，在情感上起到对生活和人性的窥探作用。

《日出和日落-牛仔》联名刘銧銧，2021，聚酰胺、聚苯乙烯、聚氨酯、丙烯，环氧油漆 85x65x90cm

 

《Body chair - Toms》2021，聚酰胺、聚苯乙烯、聚氨酯、环氧油漆，115x50x105cm 

这组作品采用了颜石林自2020年起开始的创作方法，即在虚拟现实中绘制模型，然后以3D打印的形式制作成雕塑。VR技术的介入使颜石林脱离早期作品风格、融入更多思考。喷笔软件这一新手段，使他不受常规约束的想象力得以尽情发挥。尽管身处虚拟环境之中，颜石林的真实感受却触发了多重感知，个人的艺术表达也摆脱了物质材料的限制。由此，颜石林跨越了具象雕塑的传统框架， 确立了一套全新的个人艺术语言。

共代谢工作室的作品是游离在纯设计与纯艺术的界限之间的，他们从对城市中人与物品真实关系的观察入手，将工业构件与家具材料重新组合，打破物品长久以来被赋予的固化印象。艺术品普遍的展陈方式曾在上世纪70年代被Brian O’Doherty总结为“白立方”——围绕博物馆建筑所形成的整套范式，将艺术品放置在权威地位上，无法接近或触碰。以这一形式为对照，共代谢工作室的作品显得非常另类。

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“共代谢 （Co-Metabolism）”是生物学术语，原意指的是微生物降解同一介质中难降解的有机化合物，两人希望借这一概念，将工业构件等大规模生产工业代谢品重新激活，并模糊它们在空间中的功能，打破既有的、恒定的认知，将物件交还给真实的需求。

“英国曾经在上世纪80年代出现‘设计师-造物者’运动，设计师们想做一些与大批量生产不同的东西。从国内市场来说，这些限量家具、艺术装置还处在起步阶段，但我们相信未来前景就像‘共代谢’这个名字一样，集合微小力量，产生巨大变革。”

在毕业于中国美术学院油画系的周轶伦看来，是艺术选择了自己，因此一直自然地做着擅长的事情。不过，周轶伦并不是典型的绘画艺术家， 他善于通过拆分、重组、模拟等多重手法，延展日常材料的可能。在早期的绘画作品中，他就常带着“游戏”的精神，使用各种非典型的绘画材料，比如废旧材料、二手产品、旧照片、杂志画报等。在2012年成立个人品牌R3PM3后，他将这种创作方式延续到了装置、 雕塑等多种媒介，逐渐形成庞大的作品面貌。

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“相对来说，R3PM3品牌旗下的作品都具有一定的实用性，比如凳子、衣服。这是唯一的区别。”R3PM3的作品从创作手法到成型工艺都保持着他一贯的实验性。比如基于猫爬架的置物架，以一把现成椅子为框架，用泡沫加纸板做雕塑，表面用聚氨酯涂料固化再做汽车烤漆。

“我比较多使用聚合物材质、泡沫、金属、人工合成物，都是在工厂、车间看到被使用最多，最成熟的材质。这些材料代表着快速消费、偷懒又便捷的时代。”或许，身处消费时代无法逃脱注定了周轶伦的悲观，但同时也将他不断推向艺术的边界，用充满趣味的方式温柔反抗。

瑶琳仙境，2021，北京ROOM6X8。

 

 

 

费亦宁的创作不仅仅基于作品本身，更接近于对一个庞大的“数字未来奇异世界”的探索。其影像及图像作品是她对这个虚拟世界观察的结果在现实中的映射，作品中的文字则是这个“技术性有机世界”的脚本。

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在此创作脉络下，费亦宁的众多作品自然也绝非仅为“非典型造型”的功能性雕塑，而是互有连结的虚构世界中截取的一个片段。艺术家灵感来源于让·科克托版本的《美女与野兽》电影， 此版本的整体设定都呈现类似弗洛伊德所描述的“Uncanny（怪 诞）”状态，而非后期迪士尼的可爱风格……在后者的浪漫化演绎中，原故事里的性压迫、暴力和残酷几乎隐去。

于2019年创作的作品《眼泪灯#1》，由3D打印树 脂、丙烯、灯泡等材料制成。

艺术家用雕塑作品再演绎了野兽家宅中“有生命的家居品”，却刻意隐去了故事的主角，通过这些“有灵家居品”的形态来映射缺席的主角的内心情感及精神世界，构建多重隐喻。费亦宁称 “非人类中心视角”的创作主张，已然为超越现实的社会权力结构提供了一个新的视角。

潘望舒的艺术创作以其功能性雕塑著称，例如杯子、灯具、烛台等功能方向不同的系列，而它们的共同之处也显而易见——卡通化的清晰的人脸官图像。这些图像虽然线条简单，表情却生动而丰富：快乐、迷惘、沮丧、挑逗、得意——悲喜间的种种情绪表达准确而细腻。在宏观经济和疫情等大环境的普遍负面情绪中，潘望舒将日常生活中频繁使用的器物表面加上人脸，仿佛赋予了这些器物生命与感情，观众及使用者可以在生活中与其互动，建立情感连接。

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潘望舒的创作多来自家庭关系、自我探索等主题，并由一套连贯的、自洽的视觉语言与其结合。高饱和度色彩、看似“可爱”的外形下实则带有对社会及人际关系的批判与反思。在造型过程中，潘望舒常根据手部的即兴感觉去起型，“雕塑带着人走”， 这亦与她尝试“增添雕塑的触摸感”之主张相呼应。

雕塑最终的视觉效果往往带有一定的随机性，高温作用后的釉料颜色会发生变化，成品雕塑表面的质感也会因此不同。例如《黄黑色台灯》 中略微卷曲的花瓣、台灯扭曲的灯柱、单人座椅表面的流淌效果等。材料本身的自发性某种程度上赋予了作品自主的外形，与艺术家的“自我赋权”的创作理念相契合。